Проект «Единомышленники» в Арсенале

В нижегородском Арсенале открылась выставка «Единомышленники» — экспериментальный выставочный проект, придуманный командой Музея современного искусства «Гараж» в 2016 году. Это выставка-конструктор: ее общий облик и сценарий проживания для зрителей каждый раз являются результатом совместной работы профессиональных кураторов, коллекционеров и преданных зрителей музея.

После Москвы, летом 2017 года, проект был показан в Екатеринбурге. В Нижнем Новгороде он фактически пересобирается заново. В процесс создания выставки была включена рабочая группа из пяти посетителей Арсенала, нашедших здесь пространство для самореализации, социализации и внутреннего роста через узнавание современного искусства. В каждом этапе выставки — от отбора произведений до архитектурного решения — принимали участие Юлия Кремнева, исполнительный директор межрегиональной благотворительной общественной организации «Общество семей слепоглухих»; Светлана Журавлева, смотритель в Арсенале, пенсионер; Екатерина Крылова, участница инклюзивных проектов, связанных с театром; Евлад, бывший бариста кафе Арсенала и шеф-повар; Андрей Савушкин, руководитель молодежного сектора нижегородского регионального отделения Всероссийского общества глухих.

В результате в двух залах появился «двор», который, как в детстве, обещает защищенность для любого исследователя нового, желающего расти, и одновременно манит простором для поиска себя.

В каждом зале на выставке есть отдельный модуль, с помощью которого можно понять, как люди с особенностями восприятия узнают об искусстве. Например, для зрителей с нарушениями слуха созданы видеоролики с комментариями к работам на русском жестовом языке, а для людей с нарушениями зрения — тактильные модели некоторых произведений и тифлокомментарии (то есть аудиозаписи, которые по определенным правилам рассказывают о формальных и концептуальных качествах произведений искусства).

Произведения в экспозиции?оказались под стать команде — яркие и разнообразные. Это окна в необъятный мировой контекст идей и знаний, сформированных ключевыми зарубежными художниками второй половины ХX–XXI веков, а также возможность увидеть искусство первого ряда не покидая родного города.

Мы узнали, работы каких художников приедут в Нижний Новгород, чтобы вы могли подготовиться к встрече.

Маурицио Каттелан

Художник, для которого не существует запретных тем, Маурицио Каттелан — это Джокер мира искусства, чьи гротескные хулиганские инсталляции уже 30 лет заставляют публику смеяться и дрожать в ужасе.

Этим летом работы итальянского мастера гостили в России на выставке коллекции Fondation Louis Vuitton в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков Пушкинского музея. Уже накануне открытия подвешенная над лестницей фигура лошади («Баллада о Троцком», 1996 г.) вызвала недовольство блюстителей нравственности. Легко оскорбляющаяся публика поддалась на очередную провокацию Каттелана, не догадываясь, что провокация — главный жанр, в котором работает автор.

Сейчас Каттелан управляет маленькой галереей и издает журнал Toilet Paper (англ. туалетная бумага) — название дает исчерпывающее представление о чувстве юмора художника.

Нео Раух

Нео Раух — один из самых знаменитых и дорогих современных немецких художников. Живопись Рауха отличается палитрой ярких, кислотных цветов и темных, зловещих оттенков, которые заполняют альтернативную реальность, где атмосфера абсурдна и жутковата.

При этом картины Рауха фигуративны — в манере, напоминающей работы старых мастеров и сюрреалистов, художник изображает сцены ручного труда, в которых масштаб зачастую произволен, а элементы композиции относятся к разным временным пластам.

Мелвин Моти

Можно сказать, что голландский художник Мелвин Моти занимается кино и видео, однако визуальные элементы в его творчестве совсем незначительны. Скорее, Моти отправляет зрителя в ментальное путешествие, где ему предстоит слушать, активно наблюдать и искать смыслы. Сопровождаемые закадровым голосом фильмы Моти вызывают гипнотический эффект, заставляющий сфокусироваться так, будто вы пытаетесь посмотреть свой собственный сон. В работах голландского художника отсутствуют факты, что создает атмосферу, в которой медиумом становится нематериальное.

Джеймс Розенквист

Ведущий представитель поп-арта Джеймс Розенквист известен монументальными полотнами, где сочетаются популярная культура, сюрреализм и классическая живопись. Начав свой путь в 60-х как оформитель афиш, Розенквист шел к славе вместе с другими представителями нью-йоркской школы, среди которых Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг и Виллем де Кунинг. В своих работах Розенквист использовал визуальный язык коммерческой живописи, при этом собирая композицию из казалось бы не сочетаемых элементов. Его знаковая работа F-111 (1965 г.) — это 51 панель общей площадью более 40 квадратных метров, где истребитель соседствует с консервированными спагетти.

Роб Пруитт

Охватывая самые разные медиумы — от живописи и скульптуры до фотографии и перформанса — американский художник Роб Пруитт превращает образы массовой культуры в объекты высокого искусства, тем самым ликвидируя разрыв между искусством и обычной жизнью. При этом Прутт создает произведения без малейшей иронии, что делает его более современным и актуальным на фоне многочисленных последователей Дюшана конца XX века. Художник сочувствует духовному поиску современного человека, его стремлению к успеху и вместо того, чтобы бросать вызов материальным ценностям, настаивает на том, что мы должны гордиться нашим материализмом и культурой потребления.

Марк Куинн

Британский художник Марк Куинн создает провокационные скульптурные портреты из органических материалов. Популярность пришла к Куинну в 1991 году после презентации работы «Я» — скульптуры головы художника, изготовленной из его замороженной крови. Куинн также работает и с более традиционными материалами, например с бронзой и золотом, изображая представителей популярной культуры, таких как Майкл Джексон, Кейт Мосс и Памела Андерсон.

Клэр Фонтен

Клэр Фонтен — парижский коллектив художников, основанный в 2004 году. Позаимствовав свое название у популярного бренда школьных тетрадей, Клэр Фонтен провозглашают себя художниками «ready-made», имея при этом в виду взаимозаменяемость художников, как и любых других людей. Работая с неоном, видео, скульптурой, живописью и текстом, произведения коллектива можно описать как непрерывный допрос политического бессилия и кризиса исключительного, что, по мнению участников Клэр Фонтен, определяет современное искусство сегодня.?

Луиз Буржуа

Одна из самых влиятельных художников современности, парижанка Луиз Буржуа в начале своей карьеры ассоциировалась с сюрреализмом из-за обильного присутствия фантастических элементов в своих графических работах. Переехав в Нью-Йорк, Буржуа сосредоточилась на скульптуре, создавая биоморфные фигуры, которые напоминают физиологию тела, воссозданную по ощущениям изнутри. Сексуально выразительные контуры и использование нетрадиционных материалов (смола, латекс, ткань) призывают публику задуматься об устоявшихся ролях мужчины и женщины в обществе. Несмотря на то, что повторяющийся гендерный нарратив связывает Буржуа с феминистским движением, ее работы могут также рассматриваться через призму абстрактного экспрессионизма — Буржуа выставлялась вместе с Джексоном Поллоком и Марком Ротко.

Роберт Раушенберг

Увлечение Роберта Раушенберга популярной культурой и отказ от тоски и серьезности абстрактного экспрессионизма побудили его искать новые способы живописи: художник изобретал нестандартные техники и использовал нетрадиционные материалы — от грязи и краски для дома до зонтов и автомобильных шин.

В начале 50-х Раушенберг приобрел репутацию «плохого парня» мира искусства благодаря таким работам, как «Стертый рисунок де Кунинга» (1953 г.). Для его создания Раушенберг запросил рисунок (а также разрешение) у Виллема де Кунинга и затем постепенно стирал изображение до тех пор, пока на бумаге не остались лишь призрачные следы. Таким образом художник помещал зрителя в ситуацию неопределенности: зрителю нужно было решить, может ли стертый рисунок быть искусством.

В 1954 году Раушенберг презентовал свои первые трехмерные коллажи, которые он назвал «Комбайнами». Создавая работы из материалов и предметов обихода, найденных на свалке, художник исследовал пересечение искусства и жизни. «Я думаю, что искусство больше похоже на реальную жизнь, если оно сделано из предметов реальной жизни», — говорит Раушенберг. В 1964 году художник стал первым американцем, получившим Международный Гран-при по живописи на Венецианской биеннале.

Кремль, корпус 6, до 23 февраля

Александр Сорвин